26/4/12

LIBRO // "Una psicoterapia por el arte", Sara Pain

http://www.libreriapaidos.com/9789506023348/UNA+PSICOTERAPIA+POR+EL+ARTE-+TEORIA+Y+TECNICA/


 

UNA PSICOTERAPIA POR EL ARTE- TEORIA Y TECNICA, Pain, Sara; Jarreau, Gladys

Editorial: NUEVA VISIÓN

Isbn: 9789506023348


Este libro es el resultado del encuentro entre Gladys Jarreau, que tenía una vasta experiencia en la animación de talleres de artes plásticas, y Sara Paín, que en ese momento estaba dedicada al problema de las relaciones entre la lógica y la simbólica en la contrucción del conocimiento. Al utilizar el marco propio de la práctica en los talleres de arte como campo experimental, emprendieron un trabajo metódico dirigido al mismo tiempo al perfeccionamiento de la técnica, la exploración de la significación psicológica y los efectos terapéuticos de esta práctica. Desde 1982 les pareció que la mejor manera de ampliar su expreiencia era compartirla con otros; así que creada la CEFAT, organismo de formación para la utilizacíon de las actividades plásticas como medición terapéutica. Por último, llegó el momento de la escritura, del que este libro es el resultado; más que intentar elaborar un discurso común al arte y a la psicoterapia Una psicoterapia del arte - Teoria y Técnica quiere ser un diálogo, al que están invitados a participar todos los profesionales interesados. 

Indice: 
1. Introducción Arte terapia termino ambiguo 
2. Un tiempo y un espacio para la creatividad 
3. Cuerpo, inteligencia y simbolo 
4. Representación y patologia 
Segunda Parte Las tecnicas: 
5. La pintura 
6. El modelado 
7. Los titeres 
8. Técnicas anexas 
9. Lista de material 
Tercera Parte Ilustraciones de las vivencias en el taller 
10. Ilustraciones de las vivencias en el taller 
Bibliografia. 383 pag./Edición 1995

19/4/12

HANS PRINZHORN




Hans Prinzhorn (1886-1933) continúa siendo reconocido como una figura importante en los ámbitos de la psiquiatría y del arte. Su formación inicial fue como historiador de arte, pero tiempo después se convirtió en psiquiatra. Si lo meditamos brevemente, la distancia entre tales disciplinas es poca si se tiene en cuenta que ambas trabajan con productos de la psique: arte y enfermedad mental, respectivamente. Hans Prinzhorn encontró el punto en que arte y la patología se bifurcan y dan paso a algunas de las creaciones artísticas más originales y distintivas catalogadas dentro del Outsider Art.



En 1920 Prinzhorn comenzó a recolectar obras de arte elaboradas por pacientes psiquiátricos dentro de instituciones mentales a través de Europa. Así, para 1922, Prinzhorn logró amasar alrededor de 4,500 trabajos de unos 350 individuos internados en hospitales de Alemania, Suiza, Italia, Austria y Holanda. 



Con este material Prinzhorn llevó a cabo un estudio que buscaba comprender mejor la relación entre el arte de los enfermos mentales y la de los artistas modernos y “sanos”. Para lograrlo se apoyó en las ideas del psiquiatra y filósofo Karl Jaspers (1883-1969) y en ese año publicó su libro “Artistry of the Mentally Ill”, uno de los primeros y más influyentes textos sobre el Outsider Art. A lo largo de esta obra Prinzhorn desglosa su creencia en una “urgencia instintiva” para la expresión creativa que existe en todas las personas, misma que queda más o menos socavada al alcanzar la adultez. 



Las creaciones de un enfermo mental que se consideran Outsider Art no pueden categorizarse como el simple producto de un desorden psiquiátrico; Prinzhorn observó que las piezas de su colección poseían cualidades inherentes a la producción artística moderna: eran configuraciones expresivas, decorativas, lúdicas y con una evidente necesidad de cargar al objeto artístico de contenido simbólico. Sin embargo, en los enfermos mentales este resultado era más bien aleatorio e inconsciente y no premeditado e intelectualizado, como en el caso de un artista moderno.



Por ello no es extraño encontrar obras altamente originales y sofisticadas en la colección de Prinzhorn. Tampoco es de extrañar que resultara tan influyente para los Surrealistas parisinos, quienes consideraron la colección muy estética y valiosa por sus cualidades de espontaneidad, crudeza e inmediatez. Cabe señalar que Prinzhorn fue muy claro en describir la línea que separa a un Outsider de un Surrealista. Para éste, la locura es una metáfora de libertad que se busca y se aprehende como un romántico medio subversivo. Para aquél, la locura es la imposición de una enfermedad que se sobrelleva mejor inventando un microcosmos de imaginario visual.



Las ideas de Prinzhorn también fueron compatibles con las de Jung, sobre todo en lo referente a los arquetipos y al inconsciente colectivo. Jung pensaba que mediante la expresión creativa podían hacerse conscientes imágenes que coadyuvan a la autocomprensión y transformación del individuo. Además, tanto Jung como Freud se dieron cuenta que las imágenes tienen la capacidad de proveer información que verbalmente resulta más difícil de obtener.



Prinzhorn fue cuestionado ya que se decía que tenía a sus “favoritos” entre los pacientes-artistas y que él mismo se encargaba de seleccionar y filtrar sus obras, descartando aquellas piezas que pudieran atenuar el impacto visual de sus elegidos. Aún así su trabajo es cardinal tanto en el ámbito de la psiquiatría como del arte, pues estuvo encaminado a reconocer que la creatividad artística es una experiencia humana que todos compartimos, y que ésta es capaz de trascender la discapacidad física o mental, el ambiente y la formación académica. Además, sus estudios de las pinturas elaboradas por esquizofrénicos auxiliaron a entender mejor ciertos aspectos de dicha enfermedad tales como la configuración de su realidad mental.


Fuente: 

http://noryarte.blogspot.com.ar/2009/05/puente-hans-prinzhorn.html

Libros:
  • Hans Prinzhorn, Artistry of the mentally Ill: a contribution to the psychology and psychopathology of configuration, translated by Eric von Brockdorff from the second German edition, with an introduction by James L. Foy, (Wien, New York: Springer-Verlag), 1995. ISBN 3-211-82639-4
  • Hans Prinzhorn, Expressions de la Folie. Paris: Gallimard, 1984.

5/4/12

JEAN DUBUFFET



Jean Philippe Arthur Dubuffet (31 de julio de 1901 en Le Havre - 12 de mayo de 1985 en París) fue un pintor y escultor francés de los más famosos de la segunda mitad del siglo XX.


Dubuffet nació en Le Havre. Se mudó por primera vez a París en 1918 para estudiar pintura en la Académie Julian, pero luego de seis meses dejó la academia para estudiar de forma independiente. En 1924, dudando del valor del arte, dejó de pintar y se hizo cargo del negocio de su padre vendiendo vinos. Retomó la pintura nuevamente en la década de 1930, pero se detuvo nuevamente, sólo volviendo por largo tiempo en 1942. Su primera muestra individual se produjo en 1944. Se aproximó al surrealismo en 1948, luego a la patafísica en 1954.

Influenciado por el libro de Hans Prinzhorn, Artistry of the Mentally Ill, Dubuffet acuñó el término Art Brut (arte en bruto) para el arte producido por no profesionales que trabajan por fuera de las normas estéticas, tales como el arte de los pacientes mentales, prisioneros y niños. Él formó su propia colección de tal forma de arte, incluyendo a artistas tales como Aloïse Corbaz, Alfredo Pirucha y Adolf Wölfli. Dubuffet pretendía crear un arte tan libre de las preocupaciones intelectuales como el Art Brut, crea figuras elementales y pueriles y, a menudo crueles:(se inspiro en los dibujos de los niños,los criminales y dementes) personajes bufos, morbosos,como las mujeres de su serie"DAMES"; o seres infrahumanos,figuras deformes,absurdas y grotescas como los ciclos "BARBAS"


J. Dubuffet, "Opéra Bobèche", 1963


Muchos de los trabajos de Dubuffet fueron realizados con óleos, utilizando un lienzo reforzado con materiales tales como arena, alquitrán y paja, otorgándole al trabajo una inusual superficie texturada. Desde 1962 produjo una serie de obras en las cuales se limitaba a sí mismo con los colores rojo, negro, blanco y azul. Hacia finales de la década de 1960 se volcó más a la realización de esculturas, produciendo trabajos en poliestireno, a los cuales pintaba con vinílico.

http://es.wikipedia.org/wiki/Jean_Dubuffet

http://www.imageandart.com/tutoriales/biografias/dubuffet/dubuffet.html

FUNDACION DUBUFFET: 
http://www.dubuffetfondation.com/index_ang.htm


ART BRUT

El Art Brut es un término acuñado en 1945 por Jean Dubuffet para referirse al arte creado por personas ajenas al mundo artístico sin una formación académica. Dubuffet comenzó a reunir una colección de esta clase de obras y a divulgarlas por medio de explosiones y de publicaciones después de la segunda guerra mundial para quitarle a las obras el rótulo de arte de enfermos mentales.

Dubuffet afirmaba que todos llevamos un potencial creativo que las normas sociales actuales anulan. Esto se observa en las creaciones de personas que se mantienen al margen de la sociedad, tales como: internos de hospitales psiquiátricos, autodidactas, solitarios, inadaptados o ancianos. Desde 1945 Dubuffet recoge estas obras, fundando en 1948 la "Compagnie d´Art Brut" junto a André Breton, Michel Tapié y otros. La colección formada llega a las 5000 obras, que se exponen por primera vez en 1967 en el Musée des Arts Decoratifs de París, instalándose definitivamente en 1976 en el Château de Beaulieu de Lausana. La colección está formada en su mayoría por obras de enfermos psiquiátricos, generalmente esquizofrénicos; pese a ello, Dubuffet rechazó siempre la idea de "arte psiquiátrico" afirmando que "no existe un arte de los locos". El art brut constituye un aspecto fundamental del primitivismo asumido (aunque se trate de una expresión muy revaluada en la actualidad) asumido a lo largo de todo el siglo XX por ciertos artistas que permanecen al margen de la modernidad.

Pintores Art Brut: 

  •     Adolf Wölfli (1864-1930)
  •     Joseph Crépin (1875-1948)
  •     Augustin Lesage (1876-1954))
  •     Aloïse Corbaz (1886-1964)
  •     Jean Dubuffet (1901-1985)
  •     Robert Tatin (1902-1983)
  •     Gaston Chaissac (1910-1964)
  •     Ossorio (1916-1990)
  •     Tarcisio Merati (1934-1995)
  •     René Chomeaux, llamado Chomo (n. 1924)
  •     Paul Salvador Oroverde (n. 1960)
  •     Judith Scott
  •     Donald Mitchell

ARTE MARGINAL

El término Arte marginal fue acuñado por el crítico de arte Roger Cardinal en 1972 trasladando al inglés el concepto de Art Brut concebido por el artista francés Jean Dubuffet para describir el arte creado fuera de los límites de la cultura oficial; el interés de Dubuffet se dirigía especialmente hacia las manifestaciones artísticas llevadas a cabo por pacientes de hospitales psiquiátricos.

Mientras que el término de Dubuffet es bastante específico, el término outsider art se hacía extensivo a los artistas autodidactas o naïf, aunque nunca hubiesen sido internados en una institución psiquiátrica.

El artista marginal es por tanto aquel que desarrolla su labor creativa sin contacto alguno con las instituciones artísticas establecidas, respondiendo a una fuerte motivación intrínseca y haciendo uso frecuentemente de materiales y técnicas inéditos. Una gran parte del arte marginal refleja estados mentales extremos, idiosincrasias particulares o elaborados mundos de fantasía. Desde el año 2000 el Premio Europeo EUWARD, que galardona a artistas mentalmente discapacitados, viene proveyendo a este tipo de arte con un forum internacional.

Artistas marginales famosos:

    Ferdinand Cheval (1836-1924)
    Adolf Wölfli (1864-1930)
    Madge Gill (1882-1961)
    Henry Darger (1892-1973)
    Martín Ramírez (pintor) (1895-1963),
    Achilles Rizzoli (1896-1981)
    Alexandre Lobanov (1924-2003)
    Nek Chand (n. 1924)
    Paul Salvador Oroverde (n. 1960)
    Justo Gallego (n. 1925)
 
 
http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_marginal